Exposition collective
Exposition collective
Cinq regards, cinq techniques, cinq univers. L'exposition offre une plongée fascinante dans la gravure contemporaine à travers le prisme de cinq artistes singuliers. Loin des clichés d'un art figé, elle révèle une discipline vibrante et en constante évolution.
Pierre Vaquez explore la manière noire avec une sensibilité unique. Ses univers imaginaires, empreints d'un esprit enfantin et puisant dans l'illustration, transportent le spectateur dans des mondes oniriques et attachants. Les noirs profonds et les subtils jeux de lumière caractéristiques de cette technique subliment la fantaisie de ses sujets.
Olivier Brunot privilégie l'eau-forte pour donner vie à sa série "Murmurations". Dans un style épuré et minimaliste, il capture la beauté et la poésie des vols d'oiseaux. Les lignes fines et délicates évoquent le mouvement fluide et harmonieux de ces nuées ailées, créant une impression de légèreté et de grâce.
L'univers de Quentin Berton se déploie à travers la combinaison de l'eau-forte et de l'aquatinte. Ses gravures, issues d'une série inspirée de ses rêves, offrent une plongée introspective dans son inconscient. L'aquatinte, avec ses nuances subtiles et ses effets de texture, contribue à créer une atmosphère mystérieuse et onirique.
Kim Coz maîtrise l'eau-forte avec une précision extrême, allant jusqu'à intégrer parfois des impressions en chine collé à ses œuvres. Ses univers oniriques, peuplés de motifs végétaux d'une grande finesse, témoignent d'une observation attentive de la nature et d'une grande maîtrise technique. L'ajout du chine collé apporte une dimension tactile et une richesse de textures qui renforcent l'aspect précieux de ses gravures.
Enfin, Cynthia Bevan utilise la linogravure, une technique qu'elle réhausse parfois de peinture à l'huile. Son inspiration est résolument urbaine, puisant son sujet dans les scènes de vie parisiennes. Les lignes franches et les contrastes marqués de la linogravure se mêlent aux couleurs vibrantes de la peinture à l'huile, capturant l'énergie et l'effervescence de la ville.
Cette exposition, par la diversité des approches et la qualité des œuvres présentées, offre un panorama stimulant de la gravure contemporaine et témoigne de la vitalité de cet art. C'est une invitation à découvrir des mondes uniques et à apprécier la virtuosité de ces cinq artistes.
Après des études en arts plastiques et en commissariat d’exposition, c’est finalement au détour d’une galerie que je découvre la gravure contemporaine.
Je m’inscris alors en tant qu’élève au cours du soir de l’école des beaux-arts de Grenoble, puis je deviens apprentie taille-doucière pendant un an àURDLA, centre de l’estampe et du livre situé à Villeurbanne.
Tout dans la gravure me fascine : aussi bien dans la réalisation des plaques, que dans le rituel des gestes à accomplir pour le processus d’impression.
C’est aussi le plaisir de travailler sur d’anciennes machines, des presses qui ont parfois un siècle. Au-delà de l’aspect purement artistique, les graveurs et taille-douciers, permettent grâce à leur pratique de faire perdurer cet artisanat d'art.
Les prémices de mes créations sont ainsi : l’absence de règle, je n’anticipe rien. Je commence à graver ma plaque en laissant place aux impondérables.
Avec une certaine obsession pour le détail, mon dessin évolue au hasard de cette écriture automatique. Créatures, figures, ornements... Chacun de ces éléments « mute » d’une forme à une autre, de manière imprévisible : des animaux qui se transforment, des visages sans corps, des végétations qui se délitent et deviennent abstraites. Les formes de la nature apparaissent souvent.
La multiplicité des éléments amène le visiteur à s’arrêter et faire l’effort de décortiquer l’image : il plonge dans l’œuvre, défait les nœuds, trouve son chemin. Dans ce désordre d’éléments, il crée des connexions, dresse sa narration, sa propre cosmogonie.
After studying visual arts and exhibition curating, I finally discovered contemporary engraving in a gallery.
I was amazed by all the graphic possibilities offered by this medium, by the precision of the lines, the beauty of the papers, the strength of the inks...
I then enrolled as a student in the evening class at the Grenoble School of Fine Arts, then I became an apprentice intaglio printer for a year at URDLA, a print and book center located in Villeurbanne.
Everything about engraving fascinates me: both in the production of the plates, and in the ritual of the gestures to be accomplished for the printing process.
It is also the pleasure of working on old machines, presses that are sometimes a century old. Beyond the purely artistic aspect, engravers and intaglio printers, thanks to their practice, allow this artistic craft to continue.
The premises of my creations are thus: the absence of rules, I anticipate nothing. I begin to engrave my plate by leaving room for imponderables.
With a certain obsession for detail, my drawing evolves at random in this automatic writing. Creatures, figures, ornaments... Each of these elements "mutates" from one form to another, in an unpredictable way: animals that transform, faces without bodies, vegetation that disintegrates and becomes abstract. The forms of nature often appear.
The multiplicity of elements leads the visitor to stop and make the effort to dissect the image: he dives into the work, undoes the knots, finds his way. In this disorder of elements, he creates connections, draws up his narrative, his own cosmogony.
%20-%20Kim%20COZ.jpg?etag=%22100dc7f-6765b6d1%22&sourceContentType=image%2Fjpeg&ignoreAspectRatio&resize=2500,2467&quality=85 "Vague Lunaire (NB) - Kim COZ")
Pierre Vaquez est né en 1963 dans l’est de la IFrance, et vit et crée à Paris. Il découvre la gravure dans un atelier municipal à Paris. Amoureux des livres et des images, ce fut pour lui une révélation.
Six mois après ce premier contact, sa première expérience de la manière noire allait guider le reste de sa vie d’artiste.
En 2005, Pierre expose pour la première fois une quinzaine d’estampes dans une librairie parisienne. En novembre de la même année, une de ses manières noires est primée à la biennale Encre et Papier de Saint-Mandé. Après une pause de 6 ans, il revient à la gravure et participe depuis à de nombreuses expositions en France et à l’étranger.
Pierre consacre désormais tout son temps à la manière noire. Il possède un atelier de gravure en Bretagne et est également membre d’un atelier collectif près de Paris (L’Atelier aux Lilas pour la Typographie et L’Estampe).
En septembre 2017, paraît aux éditions Sarbacane « Aspergus et moi », un livre jeunesse de Didier Levy illustré à la manière noire par Pierre. Ce livre remporte le « Prix Landerneau 2018 », une distinction du livre jeunesse en France. En 2019, il réalise un nouveau livre avec le même auteur : « Le Train fantôme », illustré à nouveau à la manière noire.
Pierre Vaquez est graveur en manière noire: rien que ces mots font rêver… elle nécessite un labeur incroyablement dur, pour faire jaillir du noir la lumière. Au-delà de la prouesse technique, le talent de ce graveur singulier consiste à sublimer la beauté des contrastes et la douceur du noir, justement. Façon d’exprimer un imaginaire nourri de cinéma muet, de littérature et de bande dessinée
Pierre Vaquez was born in 1963 in eastern France, and lives and creates in Paris. He discovered engraving in a municipal workshop in Paris. A lover of books and images, it was a revelation for him.
Six months after this first contact, his first experience of mezzotint would guide the rest of his life as an artist.
In 2005, Pierre exhibited for the first time about fifteen prints in a Parisian bookstore. In November of the same year, one of his mezzotints won an award at the Encre et Papier biennial in Saint-Mandé. After a 6-year break, he returned to engraving and has since participated in numerous exhibitions in France and abroad.
Pierre now devotes all his time to mezzotint. He owns an engraving workshop in Brittany and is also a member of a collective workshop near Paris (L’Atelier aux Lilas pour la Typographie et L’Estampe).
In September 2017, “Aspergus et moi” was published by Sarbacane, a children’s book by Didier Levy illustrated in mezzotint by Pierre. This book won the “Prix Landerneau 2018”, a distinction for children’s books in France. In 2019, he produced a new book with the same author: “Le Train fantôme”, illustrated again in mezzotint.
Pierre Vaquez is a mezzotint engraver: these words alone make you dream… it requires incredibly hard work, to make light spring forth from black. Beyond the technical prowess, the talent of this unique engraver consists in sublimating the beauty of contrasts and the softness of black, precisely. A way of expressing an imagination nourished by silent cinema, literature and comics
Après une formation initiale en arts plastiques, puis en arts appliqués, pendant lesquels j’ai appris le dessin académique auprès de Willy Tiedje, j'ai ensuite exercé le métier d'architecte d'intérieur, dont une douzaine d'années en indépendant.
En 2013, j’ai décidé de me consacrer au dessin et à la gravure en taille-douce. Formé à cette dernière technique principalement par Noémie Huard, j'approfondis encore ce travail notamment par un stage récent chezles Ateliers Moret, taille-douciers à Paris (5e).
En 2013 également, j’ai co-fondé, à Vienne (38), l'Atelier Partagé: un lieu qui mêle pratiques d'artistes professionnels en atelier, cours dans différentes techniques artistiques et lieu d’exposition.
En 2022, je réalise un vieux rêve et viens m'installer dans le Finistère.
After initial training in visual arts, then in applied arts, during which I learned academic drawing from Willy Tiedje, I then worked as an interior designer, including a dozen years as a freelancer.
In 2013, I decided to devote myself to drawing and intaglio engraving. Trained in this last technique mainly by Noémie Huard, I further deepen this work, notably through a recent internship at the Ateliers Moret, intaglio printmakers in Paris (5th).
Also in 2013, I co-founded, in Vienne (38), the Atelier Partagé: a place that combines professional artists' practices in the studio, courses in different artistic techniques and an exhibition space.
In 2022, I am realizing an old dream and coming to settle in Finistère.
.jpg?etag=%2276ca0-6765b6d6%22&sourceContentType=image%2Fjpeg&ignoreAspectRatio&resize=2000,2001&quality=85 "OLIVIER BRUNOT_PALAIS BRETONS_19X19_11.12 (2)")
Né à Paris en 1982, Quentin Berton se forme à l’école d’Architecture de Paris Belleville puis à l’école de Chaillot et travaille depuis quinze ans en tant qu’architecte.
Graveur autodidacte, il se plonge dans le monde de l’estampe en 2021 via l’atelier des Arquebusiers (Paris Atelier) avec Florence Hinneburg, François Dubois puis Pablo Flaiszman où il s’initie à l’aquatinte sous ses différentes formes. Depuis 2022, il se consacre à la gravure au sein de l’atelier Bo Halbirk basé à Montreuil.
Born in Paris in 1982, Quentin Berton trained at the Paris Belleville School of Architecture and then at the Chaillot School and has worked as an architect for fifteen years.
A self-taught engraver, he immersed himself in the world of printmaking in 2021 via the Arquebusiers workshop (Paris Atelier) with Florence Hinneburg, François Dubois and then Pablo Flaiszman where he learned aquatint in its various forms. Since 2022, he has devoted himself to engraving at the Bo Halbirk workshop based in Montreuil.
Cynthia Bevan est une artiste graveuse franco-américaine dont les œuvres capturent le je ne sais quoi poétique de la culture française dans les moments les plus simples : une jeune femme rêvassant en contemplant les toits de Paris, un vieil homme lisant dans son café parisien préféré, une femme dans son appartement de style haussmannien avec un bon livre, un feu de cheminée et un chat blotti à ses pieds. Cynthia se délecte des surfaces solides et audacieuses de la gravure sur linoléum, de ses contrastes saisissants et de la texture subtilement gaufrée obtenue par l’impression sur une presse.
Originaire de Los Angeles, elle vit en région parisienne depuis trois décennies. Son amour du dessin et de l’art sous toutes ses formes remonte à ses plus jeunes années, nourri par des ateliers d’art et des visites fréquentes au Norton Simon de Los Angeles, au LACMA et au Getty. Au fur et à mesure que son univers s’est élargi, son appréciation des musées – à New York, Washington DC, mais aussi Londres, Madrid, Paris – s’est également développée, tout comme son appétit pour le dessin et la peinture. Un tournant majeur fut son initiation aux techniques de la gravure, et notamment de l'impression en relief sur lino, sous la direction de Catherine Gillet, de renommée internationale.
Cynthia Bevan is a French/American artist engraver whose works capture the poetic je ne sais quoi of French culture in the simplest of moments: a young woman daydreaming as she gazes out over the Paris rooftops, an old man reading in his favorite Parisian café, a woman in her Haussmann-style apartment with a good book, a roaring fire, and a cat curled at her feet. Cynthia revels in the bold, solid surfaces of lino engraving, its striking contrasts and the subtly embossed texture obtained from printing on a press.
Originally from Los Angeles, she has lived in the Paris region for three decades. Her love of drawing and art in all its forms dates back to her earliest years, fed by art workshops and frequent visits to Los Angeles’ Norton Simon, LACMA and the Getty. As her world expanded, so did her appreciation for museums—in New York, Washington DC, but also London, Madrid, Paris—as did her appetite for sketching and painting. A major turning point was her introduction to the techniques of engraving, and particularly relief printing on lino, under the guidance of internationally acclaimed Catherine Gillet.
